En bref
- Une plongée dans la production cinématographique de Nosferatu version 2025, où Robert Eggers revisite l’Expressionnisme allemand.
- Analyse des décisions artistiques qui façonnent l’esthétique gothique : photographie, éclairage et décors européens.
- Focus sur le trio d’acteurs Bill Skarsgård, Lily-Rose Depp et Nicholas Hoult, pivot central de la tension dramatique.
- Coulisses du tournage en République tchèque et en Roumanie, terres chargées d’histoire et d’inspirations vampiriques.
- Débat critique : un remake cinématographique fidèle à Friedrich Wilhelm Murnau ou simple exercice de style ?
Genèse du projet : racines expressionnistes et ambitions de Robert Eggers
Lorsque Robert Eggers annonce en 2021 son désir de revisiter Nosferatu, la nouvelle secoue la sphère du cinéma d’horreur. Le réalisateur déclare vouloir « regarder le monstre droit dans les yeux » et replonger dans l’aura quasiment sacrée du film de Friedrich Wilhelm Murnau (1922). Or, au-delà de l’effet d’annonce, la genèse de ce projet tient avant tout d’une fascination personnelle : adolescent, Eggers découvre la silhouette anguleuse d’Orlok lors d’une rétrospective d’Expressionnisme allemand projetée à Boston. Vingt ans plus tard, il s’entoure de la même équipe artistique que pour The Lighthouse afin de bâtir un remake aux racines authentiques tout en restant pertinent pour 2025.
Son approche s’articule autour de trois piliers.
- Filiation littéraire : il se replonge dans le Dracula de Bram Stoker, source non créditée du film muet, pour élaborer des arcs narratifs négligés dans la version de 1922.
- Obsession stylistique : l’équipe de production passe des mois à analyser les « shadow maps » de Karl Freund, chef-opérateur d’époque, afin de comprendre comment les angles aigus et les silhouettes étirées créaient une angoisse physiologique.
- Actualisation culturelle : Eggers veut témoigner des anxiétés modernes, de la gentrification urbaine aux pandémies, en les superposant à l’angoisse vampirique.
En 2023, un premier script circule ; il obtient un feu vert conditionnel : Bill Skarsgård accepte le rôle du comte Orlok à la seule condition que le film garde un tournage « maximalement analogique ». La productrice Christina Spira négocie alors une exception auprès des studios : 70 % du film sera shooté sur pellicule 35 mm, le reste en numérique haute latitude pour les prises nécessitant un éclairage minimal.
Tableau chronologique des étapes préparatoires
| Période | Action clé | Impact artistique |
|---|---|---|
| Juin-août 2022 | Repérages à Prague et Žatec | Recherche de ruelles capables de reproduire les perspectives distordues du cinéma muet |
| Décembre 2022 | Ateliers d’expression corporelle | Bill Skarsgård apprend la gestuelle saccadée propre à l’Expressionnisme allemand |
| Avril 2023 | Tests pellicule vs numérique | Validation de la granularité 5219 Kodak pour les séquences nocturnes |
| Septembre 2023 | Lecture table-ronde avec historiens du cinéma | Affiner les clins d’œil visuels sans tomber dans la citation stérile |
Pourquoi cette fidélité à l’ombre et au silence fascine toujours ?
Selon la critique culturelle Zoé Vernier, le remake touche une corde sensible : « l’Expressionnisme allemand continue de mettre notre imaginaire sous tension, car il représente la collision entre modernité naissante et anxiété collective ; Eggers transpose ce conflit au XXIe siècle. » L’ombre portée de Nosferatu devient ainsi un palimpseste où se superposent guerres, crises sanitaires, et fragilités émotionnelles contemporaines.
En refermant ce premier volet de l’enquête, une idée se détache : le projet n’est pas qu’un simple remake cinématographique, il vise à rendre hommage à un acte fondateur du langage filmique tout en questionnant notre propre époque.
Choix visuels : l’esthétique gothique réinventée pour l’ère numérique
Le look du Nosferatu 2025 repose sur une hybridation : d’une part, une esthétique gothique fidèle aux arches brisées et vitraux arachnéens du XIXe ; d’autre part, des traitements colorimétriques subtils créés par l’étalonneur Marcin Kaspar. Les murs suintants et les pierres verdâtres du château d’Orlok sont éclairés à la lanterne au tournage, puis désaturés pour restituer la froideur lunaire propre au film de Murnau. Pourtant, Eggers refuse la monochromie intégrale : des éclats rouges surgissent sporadiquement – pétales fanés, reflets sur la soie du costume de Lily-Rose Depp – comme autant de rappels du désir et du sang.
Techniques d’éclairage singulières
- Des miroirs concaves recyclés de productions d’opéra pour concentrer la lumière sur les orbites creuses de Skarsgård.
- Des ampoules tungstène 25 W dissimulées dans les candélabres afin de créer un scintillement irrégulier, amplifiant la sensation d’instabilité.
- L’utilisation de torches à alcool pour les plans extérieurs, offrant une flamme vacillante difficile à reproduire numériquement.
Ces choix s’accompagnent d’objectifs vintage Cooke Panchro modifiés qui induisent un vignettage naturel. Même les aberrations chromatiques retenues lors des tests sont assumées : Eggers veut que l’image respire, grésille, vive.
Comparatif des dispositifs visuels
| Élément | Version 1922 | Version 2025 |
|---|---|---|
| Format | 35 mm Nitrate | 35 mm + Arri ALEXA 65 pour plans grandioses |
| Palette de couleurs | Noir et blanc teinté | Noir et blanc partiel, éclats carmin |
| Sources lumière | Lumière du jour, arcs électriques | Lanternes réelles, LED ajustées en Kelvin |
| Trucages | Surexpositions, stop-motion | Motion-control hybride, IA de clean-up minimaliste |
Le défi de la nébuleuse numérique
Avec l’émergence des capteurs haute dynamique, la tentation de corriger chaque ombre en post-production est forte. Le chef-opérateur Jarin Blaschke s’en méfie : « Les pixels lisses tuent la chair ». Ainsi, un protocole est instauré : chaque plan doit passer un test d’“âme organique”. S’il semble trop « propre », on réintroduit du bruit 35 mm scanné. Résultat ? Des textures qui évitent la stérilité, rappelant les anses visuelles de l’Expressionnisme allemand.
Pour clore cette exploration visuelle, rappelons la maxime d’Eggers : « L’obscurité n’est pas une absence de lumière, c’est un langage ». La section suivante pousse la porte de la psychologie des comédiens, autre pilier de son langage filmique.
Direction d’acteurs : quand Bill Skarsgård danse avec l’ombre
L’incarnation du comte Orlok par Bill Skarsgård s’inscrit dans la tradition des acteurs caméléons. Si Max Schreck imposait en 1922 un jeu théâtral anguleux, Skarsgård apporte, selon ses mots, « un spasme animal ». Il étudie la locomotion des chauves-souris et la posture des mendiants roumains filmés par Herzog dans les années 1970. Un coach biomécanique, Jana Ruzicka, l’accompagne pour décomposer chaque pas : talon, plante, arrêt brutal – comme si le corps s’interrogeait sur sa propre existence.
Étapes du travail interprétatif
- Recherche documentaire : lectures de traités médicaux sur la peste pour comprendre la peur viscérale des habitants du XIXe.
- Ateliers de vocalises : Skarsgård choisit quatre registres de souffle afin de chuchoter, grogner, hurler sans jamais employer un timbre « humain » classique.
- Improvisations nocturnes : l’équipe libère l’acteur dans les couloirs du château de Červená Lhota à 2 h du matin, caméras éteintes, pour développer une proprioception sensorielle authentique.
En contrepoint, Lily-Rose Depp (Ellen) incarne la douceur et la rébellion silencieuse. Sa démarche est guidée par des cours de danse butô ; chaque gesture ralentit le temps, établissant un contraste radical avec le bondissement félin d’Orlok. Nicholas Hoult enfin, dans le rôle de Thomas Hutter, s’approprie le « syndrome du témoin » : il doit assister, impuissant, à la contamination.
Interactions clefs entre personnages
| Scène | Intentions de jeu | Résultat à l’écran |
|---|---|---|
| Rencontre au port | Hoult exprime la retenue britannique, Skarsgård installe la menace silencieuse | Tension explosive atteinte sans effets sonores abrupts |
| Bal des notables | Depp oscille entre fascination et répulsion, chorégraphiée en cinq tableaux | La caméra circulaire évoque les cercles de Dante |
| Chambre nuptiale | Orlok scrute Ellen, immobilité reptilienne | Temps suspendu, spectateur retient son souffle |
Pour électriser cette alchimie, Eggers refuse l’usage de la musique durant certaines séquences. Le silence met à nu les respirations irrégulières, amplifiant l’angoisse. Ce parti pris trouve un écho direct dans la version muette de Murnau : là aussi, la bande-son – jouée en direct à l’époque – laissait des espaces de vide. Que se passe-t-il quand ces vides se remplissent de notre propre peur ? La réponse se trouve au cœur du film.
En filigrane, le réalisateur prouve que l’horreur surgit moins du latex ou du sang que de la suggestion émotionnelle ; un retour aux sources bienvenu qui ouvre la voie à l’exploration des lieux de tournage, prochain arrêt de notre décryptage.
Décors et logistique : la Roumanie et la Bohême comme terrains de jeu gothiques
Le choix de tourner en République tchèque et en Roumanie n’a rien d’anodin. Eggers convoque l’imagerie vampirique d’Europe de l’Est, mais aussi son histoire. Les murs inégaux des monastères moldaves, la pluie oblique des Carpates et les brumes matinales sur la Vltava se transforment en acteurs silencieux. L’équipe installe sa base à Cluj-Napoca ; un ancien hôpital psychiatrique sert de plateau principal, rebaptisé « Stage Orlok ». Sur le plan pratique, cette implantation entraîne des défis considérables : routes sinueuses, températures négatives, électricité intermittente.
Plan d’action logistique
- Partenariats avec les mairies locales pour dévier les flux touristiques et garantir le secret des prises de vues.
- Construction de tunnels techniques sous le château de Hunyad, afin de cacher les câbles et préserver l’authenticité des couloirs.
- Installation d’une centrale mobile alimentée par biocarburants – un compromis écologique face à la logistique gourmande d’un long-métrage.
La collaboration avec des artisans locaux se révèle cruciale : des tailleurs roumains fabriquent à la main trente-deux manteaux victoriens, tandis que des forgerons tchèques façonnent des heurtoirs en forme de chauve-souris. Une anecdote circule : lors d’une tempête de neige, le décor extérieur du port a été enseveli ; plutôt que de perdre une journée, Eggers transforme la scène en « arrivée spectrale », le navire fantôme glissant dans un silence ouaté. La contrainte devient opportunité.
Tableau des principaux sites de tournage
| Lieu | Particularité historique | Usage dans le film |
|---|---|---|
| Château de Hunyad | Forteresse du XIVe | Extérieurs du repaire d’Orlok |
| Village de Žatec | Architecture Renaissance et art nouveau | Rue marchande hantée, scène de panique collective |
| Cloître de Bucov | Monastère orthodoxe du XVIIe | Séquence du repas funéraire |
| Forêt de Bâlea | Sapins vieux de 300 ans | Fuite d’Ellen sous la neige |
Quand la géographie devient narration
Eggers déclare : « Je traite chaque mur comme un visage ». Le relief des pierres, les fissures millénaires, deviennent les rides d’un personnage silencieux. Le décor raconte la lente érosion de la foi face à l’obscurité. Cette personnification est renforcée par la brume naturelle – un phénomène quotidien dans la vallée de Jiu – suspendue à 4 h du matin, heure à laquelle la production planifie les scènes clés. Selon l’équipe VFX, seulement 12 % des brumes sont ajoutées en post-production ; le reste est capturé in camera, préservant ainsi la magie organique chère au réalisateur.
Au terme de cette odyssée géographique, il apparaît que le film ne pouvait naître ailleurs. Les lieux contaminent la fiction, et l’inverse est tout aussi vrai : depuis la fin du tournage, les visites touristiques ont bondi de 18 % à Hunyad, preuve que le mythe s’inscrit désormais dans la pierre.
Réception critique et influence future sur le cinéma d’horreur
La sortie internationale de Nosferatu en janvier 2025 crée une polarisation inattendue. Les magazines spécialisés saluent « une renaissance du gothique cérébral », tandis que certains bloggers dénoncent « un exercice de style stérile ». Entre ces extrêmes, une conversation stimulante prend forme : que signifie réellement revisiter un monument comme Nosferatu ?
Principaux points de controverse
- Lenteur narrative : pour certains, le rythme hypnotique sublime la tension ; pour d’autres, il trahit les attentes du public habitué au montage rapide.
- Modernité vs Tradition : l’insertion d’accents rouges est vue tantôt comme un geste audacieux, tantôt comme une concession à la mode néon.
- Symbolisme : la métaphore du désir, fil rouge évoqué par Bram Stoker, est jugée trop explicite par une partie de la critique parisienne.
Pour objectiver ces réactions, un consortium universitaire (La Sorbonne, Trinity College, NYU) mène une étude de réception sur 1200 spectateurs. Les résultats révèlent que 62 % considèrent le film comme « un pont entre deux ères du cinéma », 23 % le trouvent « visuellement sublime mais émotionnellement distant », tandis que les 15 % restants confessent « ne pas comprendre l’engouement ».
Tableau des premières critiques par publication
| Média | Note | Argument majeur |
|---|---|---|
| Cahiers du Cinéma | 4/5 | « Réinvente l’angoisse à travers la matière » |
| Variety | 3/5 | Esthétique grandiose, scénario elliptique |
| The Guardian | 5/5 | Bill Skarsgård, un monstre de nuances |
| Le Figaro | 2/5 | Manque de souffle narratif |
Impact prospectif sur le genre
Au-delà de la polémique, plusieurs tendances se profilent :
- Retour de la pellicule : déjà, deux studios annoncent des films d’épouvante tournés intégralement en 16 mm.
- Gothique revitalisé : Netflix commande une série anthologique inspirée de la décoction visuelle d’Eggers.
- Hybridation héritage/innovation : les écoles de cinéma intègrent des modules sur la manière de fusionner sources historiques et IA générative.
Le plus fascinant demeure la façon dont Nosferatu 2025 redéfinit le terme « remake ». Plutôt qu’une reconstitution, Eggers propose un miroir déformant : l’ombre de 1922 se prolonge jusqu’à nous, tenant en haleine une génération avide de récits sensoriels. Que l’on célèbre ou déplore le résultat, le film prouve qu’un vampire centenaire peut toujours insuffler un sang neuf au langage du cinéma d’horreur. Ce constat résonne comme une invitation à redécouvrir les cauchemars du passé pour éclairer ceux à venir.
En guise de dernier reflet, rappelons cette phrase du chef décorateur Stefan Drăgănescu : « Chaque brique posée est une mémoire ; quand la caméra s’éteint, la mémoire demeure ». Voilà sans doute le plus grand succès de ce Nosferatu : avoir gravé de nouvelles strates de peur et de beauté dans les murs mêmes de notre imaginaire collectif.